Surabaya (beritajatim.com) – Seorang kenalan “budaya” baru-baru ini bertanya — dan dalam nada bertanya itu sudah tersirat penolakan — apakah “stamboel” (ia bahkan tidak mengenal kata “Sandiwara”) sebenarnya punya alasan untuk eksis? Ketika kami berusaha meyakinkannya bahwa seni sandiwara di Indonesia masih memiliki masa depan cerah, ia menggelengkan kepala bijaknya dan mengeluarkan ungkapan seperti: “Aku selalu merasa geli melihatnya! Sungguh menggelikan! Kacau balau!” (Sebenarnya ia mengatakan hal yang lebih kasar lagi).
Lihatlah, jika seseorang sudah bertahun-tahun tidak menonton pertunjukan sandiwara, atau kebetulan hanya melihat pertunjukan kelas tiga karena menganggapnya di bawah martabatnya untuk mengikuti perkembangan dunia sandiwara, maka ia tak perlu malu dengan penilaian seperti itu. Bukankah belum lama berselang di dunia Eropa, seorang gadis yang “masuk dunia teater” dianggap tersesat oleh masyarakat, meskipun itu Sarah Bernhardt, Leonore Duse, atau Ny. Mann-Bouwmeester — para dewi teater sekalipun. Apresiasi datang seiring dengan karya. Dan di sini pun akan butuh waktu sebelum dunia sandiwara mendapatkan pengakuan umum.
Untuk memberikan jawaban yang berdasar atas pertanyaan apakah sandiwara dalam perkembangannya dari komedie stamboel telah maju dan apakah ia merupakan ekspresi seni yang sesuai dengan zaman ini, kami akan menyajikan tinjauan singkat dalam bentuk garis waktu sebelum menarik kesimpulan.
Garis Waktu:
– 1891: Orang Indo-Eropa A. Mahieu mendirikan stamboel
– 1891-1906: Mahieu dan stamboelnya melakukan berbagai tur di Jawa, kemudian bahkan ke “buitenbezittingen” (daerah luar Jawa) saat itu
– 1906-1920: Penerusnya (keluarga Hoogeveen, Hunter, Cramer, dll) melanjutkan karya tersebut
– 1920-1930: Kesadaran dan nasionalisasi Indonesia yang cepat mulai membentuk stamboel
– 1930: Kemunculan “Dardanella” (Miss Riboet, Miss Dja) dengan lakon Indonesia, antara lain karya Andjar Asmara
– 1940: Kata “sandiwara” (Ki Hadjar Dewantara – Mangkoenegoro VII) mulai populer
– 1942-1945: Jepang menyalahgunakan sandiwara untuk propaganda
– 1945-sekarang: Beberapa kelompok sandiwara besar seperti Pantja-Warna menampilkan pertunjukan modern Indonesia yang terawat baik
Dari tinjauan singkat ini terlihat jelas bahwa stamboel-sandiwara memiliki sejarah hampir 60 tahun dan mengalami perkembangan yang lebih terlihat jika kita meneliti unsur-unsur pembentuknya secara terpisah.
Mari kita mulai dengan:
Repertoar: Awalnya terdiri dari “adaptasi” buruk yang sebagian besar diimprovisasi dari opera dan dunia dongeng (terutama 1001 Malam) serta literatur Timur dan Barat. Namun perlahan muncul kecenderungan — berkat terbentuknya korps jurnalis dan sastrawan modern — untuk mementaskan lakon dengan muatan dan karakter nasional. Para penulis lakon, sadar atau tidak, mengalami pengaruh pertama dari opera dan operet dengan sisipan balet dan “Tanzbeilagen”, kemudian film dengan pertunjukan show dan thriller-nya.
Mengenai para artis, secara umum dapat dikatakan bahwa kita berhadapan dengan campuran ras dan darah yang sangat kompleks, sesuai dengan spektrum luas persilangan darah di kepulauan ini. Berkat fakta ini dan penggunaan Bahasa Indonesia dalam bentuk yang lebih atau kurang halus, sandiwara tampaknya ditakdirkan menjadi seni utama Indonesia dalam waktu dekat.
Sutradara, seperti telah kami bahas dalam dua artikel sebelumnya, mengalami perkembangan penting. Dalam tiga puluh atau empat puluh tahun pertama, hampir tidak ada penyutradaraan. Para pemain menciptakan peran mereka sebaik atau seringnya seburuk mungkin — biasanya yang terakhir — dengan hanya mengikuti “garis besar” yang samar-samar. Para artis saling menyuflir sesuka hati, memotong peran satu sama lain sesuka hati, mengimprovisasi bagian panjang secara sembarangan, terutama jika sedang bersemangat setelah digiring oleh antusiasme penonton. Singkatnya, pertunjukan stamboel sering berubah menjadi kekacauan besar.
Namun sekitar 1930, kondisi kacau dalam penyutradaraan dengan cepat, radikal, dan permanen membaik. Sejak itu, para artis serius belajar dan berlatih, biasanya di bawah arahan veteran teater yang memahami seluk-beluk penyutradaraan. Memang tingkat tertinggi belum tercapai, tetapi upaya untuk mencapainya — dibandingkan dengan masa lalu — sudah merupakan kemajuan besar. Karakter improvisasional dan insidental penyutradaraan telah digantikan oleh arahan berdasarkan naskah.
Akting pada masa Mahieu dan lama setelahnya kaku dan kikuk, tanpa rasa untuk gerak tubuh, mimik, atau postur. Namun sekitar 1930 terjadi perubahan. Para pemain kini berusaha sebaik mungkin menghayati peran mereka, menghasilkan beberapa penampilan individu yang luar biasa. Namun akting ensembel masih sering kurang memuaskan.
Dekor awalnya — untuk menyebutnya dengan sopan — sangat primitif dan dilukis tanpa rasa perspektif atau kombinasi warna. Aksi tiga dimensi diproyeksikan pada bidang dua dimensi, yang tentu saja memberi kesan menggelikan pada penonton. Namun di bidang dekor juga, sejak tahun penting 1930, kemajuan besar telah dicapai. Berkat pendidikan seni modern di sekolah, serangkaian pameran lukisan Eropa kuno dan modern yang bagus, banyak pertunjukan teater yang disiapkan dengan sangat baik, dan terutama — jangan lupakan — seni film yang mendunia, orang semakin belajar menghargai keuntungan teknik dekor modern dan mulai mengikutinya — dan hari ini kami dapat mencatat — dengan sukses.
Kelompok sandiwara besar dalam dua puluh tahun terakhir memiliki pelukis dekor yang karyanya cukup baik, kadang bahkan jelas artistik. Saat mengunjungi “Indonesia Sarikat”, kami menyaksikan seorang asisten kepala dekorator membuat tiga sketsa crayon yang hidup dalam 20 menit. Kami juga ingat bahwa bahkan sebelum Perang Dunia II, sebuah perkumpulan seni Eropa mempekerjakan pelukis dekor Jawa yang selalu menyelesaikan tugasnya dengan cara yang mengagumkan.
Mengenai kostum, awalnya merupakan campuran pakaian Barat dan Timur yang tidak dipahami, penuh warna mencolok, sering dijahit dari sisa-sisa berbagai kain. Namun seiring berkembangnya selera para pemain dan penonton, perbaikan signifikan dilakukan pada pakaian teater. Kini sudah mencapai tingkat modern-Indonesia. Pemilihan bahan, potongan, kombinasi warna, dan penyelesaian mendapat perhatian maksimal. Penonton tidak lagi menerima pertunjukan sandiwara yang disiapkan asal-asalan.
Entr’acte (selingan) juga mengikuti zaman. Seperti telah kami tunjukkan dalam dua artikel sebelumnya, tableaux vivants dengan pencahayaan Bengal dari masa Mahieu kemudian digantikan oleh “tari seni” yang sedang tren, yang kini — dengan beberapa pengecualian seperti tari kompetisi Negro: tari kue, “cakewalk” — telah muncul sebagai tari pergaulan di “ballroom”. Namun perkembangan jenis tarian ini — babak menarik dalam sejarah budaya manusia dalam abad terakhir — mungkin akan kita bahas lain waktu.
Sejak kemunculan Dardanella, periode baru dimulai dalam penyajian entr’acte. Di bawah arahan beberapa artis show yang mendapat pelatihan keras dan profesional di luar negeri, fragmen show dipentaskan, beberapa di antaranya — bahkan dari sudut pandang Barat — cukup layak ditonton. Selain fragmen show berorientasi Barat ala “Tillergirls” dan banyak “girl group” lainnya, mereka juga menampilkan ekspresi seni Asia Timur (termasuk Indonesia) yang khas. Kami melihat “adaptasi” yang sangat masuk akal dari “Cambodian Dance”, “Hindou Dance”, wayang Jawa dan tari djanger Bali, dll. “Adaptasi” ini sering — dan ini mengejutkan kami — sepenuhnya “sesuai gaya”. Bukan asal-asalan. Tidak, “adaptasi” lebih dicari dalam memotong pengulangan nyanyian dan tarian yang hampir tak berujung dan kurang dihargai oleh penonton umum.
Selain itu, jika “adaptasi” ini berarti modifikasi seni yang penting, maka mustahil mengharapkan peniruan sukarela dari para penari cilik Bali. Dalam konteks ini, mungkin menarik untuk mengingat pengalaman seorang artis asing, primadonna penari Dennisshawn yang dulu terkenal di dunia. Ia mempelajari tari istana yang anggun dan penuh selera seni tinggi dengan banyak motif gerakan berulang di Jawa dan tempat lain selama berbulan-bulan, untuk kemudian mereproduksinya di negaranya. Pertunjukan pertamanya dengan jenis tarian itu di Amerika yang dinamis gagal, tetapi ketika ia memotong-motong tari istana itu tanpa mengubah gayanya sedikit pun, pertunjukannya menjadi sukses luar biasa.
Manusia modern rata-rata, baik Timur maupun Barat, tidak lagi memiliki ketenangan jiwa yang diperlukan seperti orang Jawa-Hindu abad pertengahan dari kalangan istana; mungkin ini disesalkan, seperti banyak hal lain yang patut disesalkan, tetapi kita tidak bisa mengubah semangat zaman.
Apa yang telah dicapai Dardanella di bidang show, setidaknya di panggung, belum tertandingi. Kini orang lebih mencari entr’acte dalam nyanyian, musik, dan tableau fantasi. [but]
*) Terjemahan bebas dari tulisan G.H. von Faber (Direktur Pendidikan Umum) yang dimuat di koran berbahasa Belanda “De Vrije Pers” (18-12-1948).
